La nueva cara del Metropolitan Museum, The Met

El Metropolitan Museum quiere formar parte del arte moderno y contemporáneo y, para ello, ha redefinido su marca buscando un aire más actual. Primero, rebautizando cada uno de sus edificios (al edificio de la Quinta Avenida lo van a llamar Fifth Avenue Met; al Museo Medieval en el noroeste de la ciudad, The Cloisters Met; por otro lado han ocupado el edificio que fue sede del Whitney Museum en Madison Avenue, diseñado por el arquitecto Marcel Breuer. Lo han llamado Met Breuer y va a albergar las exhibiciones dedicadas a arte moderno y contemporáneo. En tercer lugar, han rediseñado su web y su logo.

Estos son los primeros pasos de un plan más ambicioso que incluirá 600 millones de dólares para la construcción de la nueva galería en el Metropolitan Museum en la Quinta Avenida.

Definitivamente, el Met quiere ser parte del arte contemporáneo: donde se mueve el dinero, donde se encuentran los mayores coleccionistas, los donantes y los visitantes a Museos.

El pasado mes de Marzo el Met Breuer, en Madison Avenue, abrió sus puertas con dos exposiciones. En el segundo piso, dibujos y fotografías de Nasreen Mohamedi (1937-1990), un artista de la India. En la tercera y cuarta plantas, la exhibición "Unfinished: thoughts left visible".

"Unfinished: thoughts left visible" muestra cerca de 200 piezas de la propia colección del Met: espectaculares obras de arte, como la obra de El Greco, que permiten hacer un recorrido histórico desde el Renacimiento hasta la actualidad. Además cuenta con prestamos extraordinarios, como las obras de Leonardo Da Vinci.

Leonardo DaVinci, Cabeza y hombros de una mujer, ca. 1500-1505

El Greco, La visión de San Juan, ca. 1608-14

Con este enfoque, el nuevo Met Breuer demuestra su potencial con una idea muy contemporánea de reexaminar el pasado. Aunque en mi opinión la exposición no pone el arte más antiguo y el más contemporáneo en conversación, sí es un "must" si se está de visita en la gran manzana.

Desde mi punto de vista es mucho más interesante la tercera planta, donde se presentan los trabajos previos al 1820. Las obras expuestas dejan mirar a través del ojo del artista, se puede adivinar el recorrido de su trabajo y su proceso, sus pensamientos a la hora de definir la composición de la obra. Es realmente excitante observar las piezas no terminadas y como muchas de ellas podrían ser la versión contemporánea de la obra maestra clásica.

La exhibición examina un aspecto del proceso creativo que genera gran zozobra en el artista y críticas por parte de espectadores sobre la obra inacabada o aparentemente sin terminar.

¿Cuándo está una obra de arte terminada?

Muchos críticos del pasado y del presente han escrito sobre los problemas y las posibilidades asociadas a las obras de arte que muestran una falta intencional de acabado. Estas obras revelan muchas decisiones del artista - tanto físicas como conceptuales y, sobre todo, cuándo y cómo la consideran completa.  Esta exposición hace hincapié en los períodos en que la noción de acabado se convirtió en un asunto de experimentación.

La exhibición contiene dos tipos de obras: las que estaban, por cualquier razón, sin terminar y se dejaron así accidentalmente por el artista, y las que adoptan un estilo deliberadamente sin terminar.

El artista en general, conoce bastante bien si su obra está terminada, pero eso no es lo mismo que decir que el trabajo esté terminado a los ojos de otro. Para cuando el artista ha hecho todo lo posible, la cuestión sigue siendo si la obra tiene lo suficiente como para que hable por sí misma, como objeto de goce estético.  La creación de una obra de arte es una experiencia profundamente personal. A veces, es como si el alma del artista se transmitiera a la superficie a través de su intervención en la pieza que está creando.

La propia naturaleza de creación es tan personal que a veces es difícil saber cuándo parar. El artista tiene que decidir si está satisfecho con el resultado. Si es así, entonces ya ha terminado. Aunque, por supuesto, el umbral de satisfacción y el concepto de acabado de la obra varía enormemente de un artista a otro.

Aquí algunas de las obras, previas al 1840,  que más me han cautivado.

Anton Raphael Mengs

Alemán 1728-1779

Retrato de Mariana de Silva y Samiento, Duquesa de Huescar, 1740-1784

Perino del Vaga, Italiano, 1501-1547

Sagrada Familia con San Juan Bautista, 1528-1530

Sir Thomas Lawrence

Inglés, 1769-1830

Emilia, Lady Cahir, Condesa de Glengall 1776-1836, ca. 1803-5

George Rommey, Inglés 1734-1802

Retrato de George Rommey, 1784

Joseph Mallord William Turner, Inglés, 1775-1851

Margate desde el mar, ca. 1835-40

También hay una sala dedicada a la obra de J.M.W. Turner, uno de los paisajistas de finales del S.XVIII más admirados por su capacidad para la abstracción: admirado a posteriori, claro, porque en su tiempo era foco de críticas por sus contemporáneos. El grupo de pinturas que se presentan en esta sala se encontraron en su estudio después de su muerte, ninguna de ellas fue expuesta y lo que no se sabe es si eran trabajos que el artista consideraba terminados con la esperanza de que en algún momento fueran con el tiempo aceptados o sólo eran los primeros pasos de una obra sin terminar.


El cuarto piso de la exposición está dedicado a la obra inacabada en el siglo XX. Desde 1945, el artista ha analizado el concepto de inacabado como requisito previo y meta a ser perseguida. Con este fin se han utilizado materiales diseñados para la decadencia, diseñando obras que se expanden más allá de sus propios límites espaciales y temporales. El arte está diseñado para sobrevivir, su durabilidad frente a la brevedad, la fragilidad y fugacidad de la vida. Sin embargo, después de la Segunda Guerra Mundial, a menudo en respuesta a la agitación social, económica y ambiental, muchos artistas crearon deliberadamente obras destinadas a decaer o desaparecer con el tiempo. En su corazón se encuentra una fascinación con la entropía. A pesar de que a menudo se equipara con el deterioro, la entropía se describe con mayor precisión como la pérdida de energía, un proceso físico común a todos los sistemas. Todo sistema pierde no sólo energía, sino que también pierde estabilidad y coherencia. Por esta razón, la entropía tiende a expresarse visualmente como la degradación y la desorganización.

Las esculturas en la galería transmiten entropía no sólo a través de la forma, los materiales y el contenido, sino también a través del proceso y la técnica. Muchas piezas muestran abrasión, corrosión y los daños producidos por el tiempo, ya sea real o simulada, mientras que otras, como el trabajo de Félix González-Torre, muestran su propio declive en tiempo real, ofreciendo una reflexión conmovedora sobre la mortalidad. Esculturas como éstas cuestionan nuestras definiciones tradicionales de acabado, así como inciden negativamente en la posibilidad misma de terminar, de una vez por todas, una obra de arte.

Felix Gonzalez-Torres, "Sin titulo" (Retrato de Ross en Los Angeles), 1991

Feliz González-Torres representa con esta instalación el retrato de su compañero Ross Laycock, quien murió de SIDA en el año 1991. El trabajo consiste en una pila de caramelos cuyo peso equivale al peso ideal de Ross, 175 libras. Los espectadores están invitados a coger los caramelos; a medida que estos van desapareciendo, la pila de caramelos va perdiendo su regularidad, disminuyendo en volumen y peso. Esta transformación refleja el debilitamiento de Ross Laycock debido a su enfermedad. El Museo continúa reponiéndolos, quedando la obra suspendida entre la desaparición y la renovación, obra en continuo proceso.

Janine Antoni, Americana, 1964

Lamer y espuma, 1993-94

Chocolate y jabón

Estas dos esculturas han cambiado y continuarán cambiando a lo largo del tiempo. Una está hecha de chocolate y la otra de jabón. La propia artista chupó la de chocolate y se baño con la de jabón. Según la artista: "Somos destructivos por naturaleza y tendemos a deshacer para volver a hacer y ese concepto me interesa mucho". Los bustos convencionales están creados para ser inmortales y permanentes, pero en este caso irán envejeciendo con el tiempo como la vida misma.

Alina Szapocznikow, Polaca, 1926-1973

Tumores personificados, 1971

A comienzos de los años 60, la artista Alina Szapocznikow exploró el cuerpo en materiales como la resina poliéster o materiales creados para insular. En ese periodo le fue diagnosticado un cáncer de pecho. La artista quiso expresar su enfermedad en esta instalación donde aparecen de la gravilla rostros deformes con su imagen que representan los tumores que estaban invadiendo su cuerpo (ver foto).

Cy Twombly, Americano, 1928-2011

Sin titulo I-VI (Pinturas verdes), ca. 1986

Esta serie en verde de Cy Twombly fue encontrada en su estudio después de su muerte; nunca antes se exhibieron y hasta el momento se desconoce si el artista consideraba esta obra terminada o no.


El próximo Domingo, 8 de Mayo, el Met Fifth Avenue organiza una charla donde uno de los artistas de la exhibición, un musicólogo y el comisario del Met discutirán las ideas que surgen a proposito de la exhibición.  Sunday at The Met- "Unfinished: Thoughts left visible across time and cultures" 3pm to 4:30pm.

"Unfinished: thoughts left visible" estará abierto al público hasta el 4 de Septiembre, 2016

#MetUnfinished

A new face for the Metropolitan Museum, The Met

The Metropolitan Museum wants to be part of modern and contemporary art and it has redefined its brand looking for a more modern look. First, renaming each of its buildings (the building on Fifth Avenue, Fifth Avenue Met, the Medieval Museum on the northwest of the city, the Cloisters Met, and the building formerly occupied by the Whitney Museum on Madison Avenue, designed by architect Marcel Breuer, now called Met Breuer that will host exhibitions of modern and contemporary art. The Met has also changed the look of its web and its logo.

These are the first steps of a more ambitious plan that will include an investment of $600 million for the construction of a new gallery in the Metropolitan Museum on Fifth Avenue.

The Met definitely wants to be part of contemporary art, where the money, collectors, donors and visitors are.

Last March, the Met Breuer on Madison Avenue opened with two exhibitions. On the second floor, drawings and photographs of Nasreen Mohamedi (1937-1990), an artist of India The third and fourth floors dedicated to the exhibition "Unfinished: thoughts left visible".

"Unfinished: thoughts left visible" shows about 200 pieces of The Met's own collection: spectacular art, like the work of El Greco, allowing to make a historical journey from the Renaissance to the present. It also has outstanding loans, as the Leonardo Da Vinci's drawings.

Leonardo DaVinci, Head and Shoulders of a Woman, ca. 1500-1505

El Greco, The vision of Saint John, ca. 1608-1614

With this approach, the new Met Breuer shows its potential of a very contemporary idea of ​​re-examining the past. Although the exhibition fails to create an “conversation” between the oldest and most contemporary art, the trip to the Museum is a must if you're in the Big Apple.

From my point of view it is more interesting the third floor, where the work pre-1840 is shown. The pieces on display allow you to look through the eye of the artists, guess the course of their approached and their process and their thoughts when defining the composition of the work. It is really exciting to observe the unfinished parts and how many of them could be the contemporary version of the classic masterpieces.

The exhibition examines one aspect of the creative process that generates great anxiety in the artist and criticism from experts and viewers about the unfinished work, or apparently unfinished.

When is a work of art finished?

Many critics in the past and present have written about the problems and possibilities associated with the works of art that show an intentional lack of finish. These works reveal many artist decisions, both physical, conceptual and, especially, when and how it is considered completed. This exhibition emphasizes the periods in which the notion of finishing became a matter of experimentation.

The exhibition contains two types of works: those that were, for whatever reason, and accidentally left unfinished by the artist; and others that adopt a style deliberately unfinished.

The artist generally knows quite well if a work is finished, but that's not the same as saying that the work is completed in the eyes of another viewer. By the time the artist has done everything possible, the question remains whether the work is enough to speak for itself, as an object of aesthetic enjoyment. The creation of a work of art is a deeply personal experience. Sometimes, it is as if the artist's soul was transmitted to the surface through its intervention in the art that is being created.

The very nature of creation is so personal that it is sometimes difficult to know when to stop. As an artist, you have to decide if you are satisfied with the result. If yes, then you have finished. Although, of course, the threshold of satisfaction and the concept of finishing the work varies greatly from one artist to another.


Here are some of the works prior to 1840 that have captivated me.

Anton Raphael Mengs

German 1728-1779

Portrait of Mariana de Silva and Samiento, Duchess of Huescar, 1740-1784

Perino del Vaga, Italian, Florence 1501-1547 Rome

Holy Family with Saint John the Baptist, 1528-1530

Sir Thomas Lawrence

British, 1769-1830

Emilia, Lady Cahir, Later Countess of Glengall 1776-1836, ca. 1803-5

George Romney, British 1734-1802

George Romney portrait, 1784

Joseph Mallord William Turner, British, 1775-1851

Margate from the sea, ca. 1835-1840

There is also a room dedicated to the work of J.M.W. Turner, one of the landscape painters from the ninetieth century most admired for his capacity for abstraction; admired clearly “a posteriori” to his period because in his time, he was criticized by his contemporaries. The group of paintings presented in this room was found in his studio after his death; none of them was shown and what is not known is if the artist considered them finished with the hope that at some point they were accepted, or they were only the first steps of an unfinished work.

The fourth floor of the exhibition is dedicated to the unfinished work in the twentieth century. Since 1945, the artist has analyzed the concept of unfinished as a prerequisite and goal to be pursued. To this end, they have been used materials designed to decay, designing works that expand beyond its own space and time limits. The work of art is designed to survive, its durability against brevity, fragility and transience of life. However, after World War II, often in response to social, economic and environmental upheaval, many artists created works deliberately intended to wane or disappear over time. At its heart lies a fascination with entropy. Although often equated with decay, entropy is more accurately described as loss of energy, a physical process common to all systems. As a system loses energy, it also loses stability and consistency. For this reason, entropy tends to express visually as degradation and disorganization.

The sculptures in the gallery transmitted entropy not only through the form, materials and content, but also through the process and technique. Many pieces show abrasion, corrosion and damage caused by time, whether real or simulated, while others, like the work of Felix Gonzalez-Torre, makes its own decline in real time, providing a poignant reflection on mortality. Sculptures that question our traditional definitions of finish, as well as adversely affect the very possibility of ever ending, once and for all, a work of art.

Felix Gonzalez-Torres, "Untitled" (Portrait of Ross in L.A.), 1991

Gonzalez-Torres, with this installation, represents the portrait of his partner Ross Laycock, who died of AIDS in 1991. The work consists of a pile of candies whose weight is equivalent to Ross ideal weight, 175 pounds. Viewers are invited to take a candy; as these are disappearing, the pile loses its regularity, decreasing in volume and weight. This transformation reflects the weakening of Ross Laycock because of his illness. The Museum replenishes the supply of candy.  Suspended between the disappearance and renewal, the work is in continuous process.

Janine Antoni, American, 1964

Lick and Lather 1993-94

Chocolate and soap

These two sculptures have changed and continue to change over time. One is made of chocolate and the other with soap. The artist herself ate the chocolate and bathed with the one made with soap. According to the artist, "There is this element of destruction, that we have to unmake in order to make, and that interests me very much.", Here the artist challenges the conventions of the classical portrait bust, premised as it is upon immortality and permanence, not to mention the heroism and authority of the white men such busts typically portray.

Alina Szapocznikow, Polish, 1926-1973

Tumors Personified, 1971

In the early 60s, the artist Alina Szapocznikow explored the body in new materials such as polyester, resin materials and glass wool. During this period she was diagnosed with breast cancer, and the artist wanted to express in this installation how the tumors had taken over her identity, each tumor appears to grow from the gravel and includes a self-portrait.

Cy Twombly, American, 1928-2011

Untitled I-VI (Green Paintings), ca. 1986

This group of green paintings from Cy Twombly were found in his studio after his death, never before shown, and so far it is unknown whether the artist considered finished or not finished.



On May 8th, at 3pm, The Met Fifth Avenue will host a talk where an artist in the exhibition, a musicologist and a The Met curator will discuss the ideas raised by the exhibition "Unfinished: Thoughts left visible across time and cultures".

"Unfinished: thoughts left visible" March 18 - September 4th, 2016

#MetUnfinished

Picasso a juicio

Quien iba a decir que el busto de una mujer iba a armar tanto revuelo!. Obviamente, no hablo de cualquier busto, sino de la escultura "Busto de mujer" que Pablo Picasso creó en 1931 y que puede verse en el MoMA de NY hasta el 7 de Febrero.

Los protagonistas de este enredo son el internacionalmente conocido art dealer Larry Gagosian, Maya Widmaier-Picasso, hija del escultor y Sheikh Jassim Bin Abdulaziz al-Thani de Qatar, miembro de la familia real de Qatar. Sheikh dice que compró la escultura en Noviembre de 2014 y Larry Gagosian también dice que la compró. La vendedora fue, en ambos casos, la hija de Picasso, Maya Widmaier-Picasso.

Gagosian dice haberla comprado en Mayo de 2015 por 106 millones de dólares y, después, la vendió a un coleccionista que la espera con los brazos abiertos una vez termine la exhibición en el MoMA. Por otro lado, el representante legal de la familia real de Qatar, presenta documentos que muestran el acuerdo de compra de la escultura por 38 millones de euros, acuerdo cerrado en Noviembre de 2014.

Según el New York Times publico el 16 de Enero, los representantes de Qatar recibieron una carta cancelando la venta y devolviendo el dinero ya pagado. Quizás la hija de Picasso se dio cuenta de que la escultura era más valiosa de lo que pensaba y se hecho atrás!.

“Busto de mujer (Marie-Thérèse)”  

Credit

!Que intriga hasta que los tribunales aclaren la situación y decidan en que manos se queda "Busto de mujer" de Picasso! Seria estupendo que el MoMA la custodiara hasta que se dicte sentencia. En cualquier caso, esta es una buena excusa para visitar la exhibición antes de que termine y, si no puedes ir, descarga la app del MoMA y podrás escuchar a las comisarias de la exhibición hablando de la misma. Si puedes ir a visitarla, usa la aplicación a lo largo de tu recorrido: llevas la audio guía en tu propio teléfono, puedes ir tomando fotos con la aplicación, compartir en el momento con las redes sociales y después recibir en tu email el recorrido que has hecho. Me encanta tener la audio guia a mano y poder hacer todas las fotos que quieras!.

"Picasso sculpture" es una exhibición que solo se da una vez en la vida: una exhibición excepcional por muchas razones:

- La obra escultórica de Picasso raramente ha sido exhibida. La primera vez fue en el año 1966 en Paris y en 1967 en el MoMA de NY. 

- Hace casi 50 años desde la última exhibición con esculturas de Picasso en los EEUU.

- Se presentan 140 obras realizadas a lo largo de 62 años (1902-1964).

- Se muestra la primera escultura creada por el artista "Mujer sentada", 1902 y la maqueta de la última escultura en acero corten que mas tarde se convertiria en la escultura de 50 pies de altura que se encuentra en la Plaza Daley de Chicago, 1967.

Mujer sentada

Maqueta inspirada en la cabeza de Jacqueline, esposa de Picasso

- Muchas de estas obras no se habían visto juntas antes, desde que estaban en el estudio del artista.

Para hacer honor a ello, el MoMA mueve de la cuarta planta su colección permanente y distribuye las 140 piezas a lo largo de varias galerías.

He visitado la exhibición un par de veces y en ambas ocasiones me he hecho la misma pregunta: cómo es que no tenia yo en mi mente a Picasso como escultor? La obra expuesta es basta y asombrosamente excepcional, totalmente innovadora para los cánones de la época y cargada de sentido del humor.

No pensamos en Picasso como escultor pero deberíamos, porque él fue el que a principios de siglo (1914) introdujo, junto a Georges Braque, dos de las más grandes ideas del siglo en el mundo del arte moderno: collage y ensamblaje en tres dimensiones. Comienza la escultura moderna al establecer el espacio dentro de si misma, volumen y ligereza. El mejor ejemplo de ello: "Guitarra", 1912.

Con la escultura Picasso consiguió explorar aun más si cabe sus muchos dones y sin miedo a ser criticado explotó su versatilidad, voracidad y su necesidad de reinventarse constantemente, hizo lo que realmente quiso!. Era un mago en convertir objetos de uso cotidiano en esculturas, un grifo podría ser la cresta de una grulla cuyo cuerpo y cola de plumas fueron una vez una pala o los manillares y el sillin de una bicicleta convertirse en un toro.

En su necesidad de reinventarse Picasso dejó atras el Renacimiento tradicional para pasar al modernismo. Personalizó la escultura tradicional en bronze pintándola. Un buen ejemplo de ello son los "Vasos de absenta" (1914), Picasso creó una edición de seis pequeñas esculturas abstractas que representan el vaso donde en la época se bebía absenta, bebida muy de moda en la época. Hasta incluye la cucharilla que se usaba para echar el azucarillo. Estas seis esculturas es la primera vez que se muestran juntas desde que estaban en el estudio del artista.

La exhibición abre con las primeras esculturas de Picasso (1902-1909), tenía 20 años. En ellas se observa una mezcla de tradición e innovación. Coinciden con su periodo Rosa y Azul en su pintura.

La segunda galería muestra el trabajo creado del 1912 al 1915, coincide con su epoca cubista. En este periodo experimenta con materiales que encontraba, en lugar de trabajar con materiales específicos de escultura. "Guitarra" y "Vasos de absenta" son un buen ejemplo del trabajo de esta época. En el tiempo en que las esculturas de guitarras fueron realizadas rompieron con los moldes tradicionales de lo que se consideraba escultura, algo sólido, masa que es modelada o tallada, creada en mármol o cerámica. Picasso abre el interior de la escultura a nuestros ojos.

Después de un periodo de descanso vuelve a crear escultura a finales de los años 20 con el encargo de un monumento para la tumba del poeta y critico Guillaume Apollinaire. En este periodo, 1927 al 1931, trabajo el metal junto a su amigo el escultor Julio González que le acogió en su estudio. La obra mas significativa de esta galeria es "Mujer en el jardín" la obra creada para la sepultura del poeta realizada en metal y pintada en blanco.

Mujer en el jardín

En 1930 Picasso compró el Château de Boisgeloup a las afueras de Paris y por primera vez disponía de suficiente espacio para crear su propio estudio de escultura. Aquí creo "Busto de mujer" cuya propiedad está en disputa como decía en el comienzo de este artículo, aunque en el dossier que el MoMA pone a disposición del público para seguir la exhibición especifique "Busto de Mujer" 1931. Yeso. Colección privada. Cortesía de la Galería Gagosian, por lo que entiendo que estaba ya en las manos de la galería y no de la familia Picasso. Veremos en que queda todo el entuerto!.

Busto de mujer

Llego la segunda guerra mundial y se vió obligado a trabajar desde su casa de París (1939-1945). En esa época el gobierno Nazi le consideraba un radical y le prohibieron exhibir o publicar su trabajo. Aunque limitado de bronce por que iba destinado a crear armas para la guerra, se las ingenio para hacer alguna escultura en bronce. Aun así se dedicó fundamentalmente a trabajar con yeso y arcilla.

Al terminar la guerra mundial Picasso decide visitar la Riviera Francesa por primera vez después de muchos años y vuelve a conectar con el arte clásico de la cultura Romana y Griega y empieza a trabajar la cerámica con su propio sello!. Aqui es donde Picasso se expresa libremente y hace todo a su manera, con audacia y mucho sentido del humor. Picasso usa su inexperiencia en el medio en ventaja. El dueño del estudio de cerámica donde creó estas esculturas decía "un aprendiz que trabaja como Picasso nunca podrá conseguir trabajo".

En los años próximos (1952-1958) empieza a producir esculturas mas grandes y complejas con objetos cotidianos, esculturas que mas tarde fundiria en bronce. En esa época vivia junto a Françoise Gilot y era padre de Claude y Paloma, así que muchos de los objetos que utilizaba para crearlas eran juguetes de sus hijos o representaban escenas cotidianas que vivia: una niña saltando a la comba, una mujer paseando a su bebe, un mono con cabeza de coche de juguete.

Me pareció muy divertida el conjunto de esculturas hechas con trozos de madera que representan a una familia caminando en la playa. Cada figura tiene ojos y boca y sobre la madera detalles de sus cuerpos.

En la fase final Picasso se centró en trabajar con hojas de metal (1954-1964). Este periodo fue una fase creativa de no parar, solo en un año y medio produjo mas de 120 esculturas y vuelve a explorar el espacio interior de la escultura como ya lo hizo con "Guitarra".

Picasso siempre soñó en crear trabajo en gran escala, ya lo hizo con sus pinturas, no hay mas que recordar el tamaño de "Guernica" 3,50x7,8 metros, obra que puede verse en el Museo Reina Sofia de Madrid. Según menciona Ann Temkin, curadora de la exhibición "A Picasso no le gustaba la idea de convertirse historia del arte. El quería estar siempre participando del presente y yo diría que incluso del futuro. Por eso es muy característico que durante los últimos años de su vida, incluso aunque ya había parado de hacer escultura en el día a día, el seguía interesado en ser parte del proyecto contemporáneo de crear escultura de gran escala para espacios públicos y así poder ser parte de la vida de la gente, tanto como su escultura fue parte de su día a día.

The model of Picasso's iconic statue Tête, 1964( Maquette pour la sculpture en plein air du Chicago Civic Center), Chicago, 1967 – Photo Getty

Al terminar de visitar la exhibición te vuelves a cuestionar por qué Picasso guardó con tanto celo sus esculturas. Ann Temkin curadora de la exhibición dice "Picasso guardó la mayor parte de sus esculturas con el en su estudio o en su casa. Las tenía alrededor no en el modo en que un coleccionista las tendría sino distribuidas aquí y allá, las tenía a su alrededor como el que tiene animales de compañía y creo que es por esto que las esculturas tienen carisma y su propia personalidad". La escultura fue el medio donde podía experimentar libremente y romper las reglas establecidas sin miedo a dañar su reputación.

Ahora encuentro todo el sentido a una de sus citas mas conocidas, "El arte lava del alma el polvo de la vida cotidiana". Precisamente es eso lo que el estuvo haciendo a lo largo de su vida y el regalo que nos ha dejado a las generaciones futuras.

Esta exhibición me ha cautivado, me ha descubierto a un Picasso que desconocía. Que derroche de capacidad de trabajo, de creatividad, de experimentación, de falta de miedo en saltar reglas. Un hombre brillante como pocos, un genio!. Pero no por genio cesaban sus horas de trabajo!.

Visita la exposición si estas en Nueva York, aun hay una semana mas antes de que termine el 7 de febrero, esta es una exposición que se da una vez en la vida. Debemos estar agradecidos de que el MoMA haya puesto tanto esfuerzo en reunir una obra tan excepcional y la exhiba a lo largo de 9 galerías generalmente asignadas a la colección permanente del Museo.

Picasso in Court

Who would have thought that the 'Bust of a woman" would create such a fuss! Obviously, I am not talking about any bust, but the "Bust of a Woman" Pablo Picasso's sculpture created in 1931 that can be seen at MoMA in NY until February 7.

The main characters of this mess are the internationally well known art dealer Larry Gagosian, Maya Widmaier-Picasso, daughter of the sculptor, and Sheikh Abdulaziz Bin Jassim al-Thani of Qatar, a member of the royal family of Qatar. Sheikh says he bought the sculpture in November 2014 and the high-powered art dealer Larry Gagosian says he bought it too. The seller was, in both cases, Picasso's daughter, Maya Widmaier-Picasso.

Gagosian claims to have bought it in May 2015 for $106 million and then sold it to a collector who expects to receive it once the exhibition at MoMA finishes. On the other hand, the legal representative of the royal family of Qatar maintains in its own court documents that he secured an agreement with Ms. Widmaier-Picasso to buy the piece in November 2014 for 38 million euros.

As reported in the New York Times on January 16, the representatives of Qatar received a letter canceling the sale and refunding the money already paid. Perhaps the daughter of Picasso realized that the sculpture was more valuable than she thought and then she changed her mind!

"Bust of a Woman (Marie-Thérèse)"

What an intrigue until the courts clarify the situation and decide in whose hands "Bust of woman" will end up!  It would be great if the MoMA kept it until the verdict is reached. In any case, this is a good excuse to visit the exhibition before it ends and, if you cannot come, you can download the MoMA App and listen to the curators of the exhibition talking about it. If you visit it, use the application: you can listen the audio guide on your own phone, you can take photos with the application, share them with social media and then receive an email with the the walk you've done. I love having the audio guide handy and being able to take all the photos you want!

"Picasso sculpture" is an exhibition that occurs only once in lifetime: an exceptional exhibition for many reasons:

- The Picasso sculptures have rarely been exhibited. The first time was in 1966 in Paris and then in 1967 at the MoMA in NY.

- Nearly 50 years have passed since the last exhibition showing his sculptures in the US.

- 140 works created over 62 years (1902-1964) are shown.

- The first sculpture created by the artist, "Seated Woman", 1902, and the latest maquette of Corten steel sculpture (that later would become a 50 foot tall sculpture that stands in Chicago's Daley Plaza, 1967 and became one of the icons of the Chicago cityscape).

"Seated woman"

Maquette inspired by the head of Jacqueline, Picasso's wife

- Many of these works had not been seen together before, ever since they were in the artist's studio.

To honor this, the MoMA has moved the permanent collection from the fourth floor to place 140 arworks distributed along several galleries.

I visited the exhibition twice and both times I asked to myself the same question: how is it possible that I didn't have in my mind Picasso as a sculptor? The artwork shown is extensive and exceptional, totally innovative for the canons of that time and full of humor.

We do not think of Picasso as a sculptor but we should, because he was the one who earlier in the century (1914) hijacked, along with Georges Braque, two of the biggest artistic ideas of the century in the world of modern art: collage and three dimensional assemblage. Modern sculpture sets space within itself, volume and lightness begins. The best example of this: "Guitar", 1912.

With sculpture, Picasso managed to explore further his many gifts, if possible, without fear of being criticized. Exploded his versatility, his greed and the need to constantly reinvention. He did what he really wanted! He was a magician that turned everyday objects into sculptures: a tap could be the crest of a crane whose body and tail feathers were once a shovel or the handlebars and the saddle of a bicycle into a bull.

In his need to reinvent himself, Picasso broke forever from Renaissance tradition into modernist. He personalized the traditional bronze sculpture painting it. A good example is the "Glass of Absinthe" (1914): Picasso created an edition of six small abstract sculptures that represent the vessel at the time when absinthe used to be drunk and was very fashionable. He includes the spoon that was used to take the sugar cube. It is the first time that these six sculptures are displayed together, since they were in the artist's studio.

The exhibition opens with early sculptures by Picasso (1902-1909), when he was 20 years old. In them a mixture of tradition and innovation is observed. These artworks were created at the same time than his Pink and Blue period in his painting.

The second gallery shows the artwork created from 1912 to 1915, the same time as his cubist period. In this period he experiments with found materials, instead of working with traditional materials used for sculpture. "Guitar" and "Glass of absinthe" are good examples of the work of this period. "Guitar" broke the traditional idea of what was considered sculpture, a solid mass modeled or carved, created in marble or ceramic. Picasso opens sculpture into our eyes.

Picasso's reengagement with sculpture at the end of the '20s with the commissioning of a monument for the tomb of the poet and critic Guillaume Apollinaire. In this period, 1927 to 1931, he worked with metal in collaboration with his friend the sculptor Julio González who welcomed him in his study. The most significant work in this gallery is "Woman in the Garden", a work created for the tomb of the poet and made of metal and painted in white.

"Woman in the garden"

In 1930 Picasso purchased the Château de Boisgeloup, a property on the suburbs of Paris and for the first time, he had enough space to create their own sculpture studio. In this gallery you can see "Bust of a Woman," whose ownership is disputed as I said at the beginning of this article, but in the MoMA's dossier available to the public it says "Bust of Woman, 1931. Plaster. Private collection. Courtesy Gagosian Gallery", so I understand that it was already in the hands of Gagosian gallery and not at the Picasso's family. We'll see what the Court says. 

"Bust of a Woman"

At the time of World War II, he was forced to work from his home in Paris (1939-1945). Picasso was one of the few artists condemmed by the Germans as "degenerate" to remain in occupied Paris during the war. Picasso was considered a radical and forbidden to exhibit and publication of his work was banned. Although all bronze casting was prohibited, as metal was reserved for wartime purposes, he managed to make sculpture with bronze, although mainly dedicated to work with plaster and clay.

After the World War, Picasso decides to visit the French Riviera for the first time in many years and reconnects with the classic art of Roman and Greek cultures, which brings a new phase in Picasso's sculpture. He starts working with ceramics in his unique way. I feel he expressed freely doing everything in its own way, with courage and a sense of humor. Picasso used his inexperience in his own advantage. The owners of the ceramic workshop where he used to work said "an apprentice who works as Picasso will never get a job."

From 1952 to 1958 he starts to produce larger, more complex sculptures with everyday objects, sculptures that later would be cast in bronze. At that time he was partner with Françoise Gilot and the father of Claude and Paloma, so many of the objects he used to create the sculptures were toys for their children or represented everyday scenes that he lived: a little girl jumping rope, a woman walking her baby, a baboon with a head formed by Claude's toy cars.

In this gallery, there is a set of sculptures made from driftwood that represent a family walking on the beach. Each figure has eyes and mouth and details of their bodies carved on the wood. I find this composition very amusing.

In the final phase, Picasso focused on working with sheet metal (1954-1964). This period was a non-stop creative phase, only in one and a half years he produced more than 120 sculptures and returns to explore the interior of the sculpture as he did with "Guitar". 

Picasso always dreamed of creating large-scale work, as he did with his paintings, as a great example the painting "Guernica" with 11′ 5″ x 25′ 6″ and can be seing at Museo Reina Sofia in Madrid. As Ann Temkin, curator of the exhibition mentioned: "Picasso did not like the idea of ​​becoming art history. He wanted to be always involved in the present day and, I would say, even in the future. So it is very characteristic that in the last years of his life, even though he had already stopped making sculpture, he was still interested in being part of the contemporary project of creating large-scale sculpture for public spaces and thus be part of the lives of people as well as its sculpture was part of their daily lives. "

The model of Picasso's iconic statue Tête, 1964 (Maquette pour la Sculpture en plein air du Chicago Civic Center), Chicago, 1967 - Photo Getty

Once you have visited the exhibition you start questioning yourself why Picasso kept his sculptures so zealously. Ann Temkin says curator of the exhibition "Picasso kept most of his sculptures with him in his studio or at home. The round was not the way a collector but would have them distributed here and there, around him as he is having pets and I think that is why the sculptures have charisma and personality. " The sculpture was the medium which he could experiment freely and break the rules established without fear of damaging his reputation.

Now I find the whole meaning of one of his most famous quotes, "Art washes from the soul the dust of everyday life." That is precisely what he was doing throughout his life and he has left to us as a gift to future generations.

This exhibition has captivated me, I discovered a Picasso I did not know. What a capacity of hard work, creativity, experimentation, lack of fear of breaking the rules. A brilliant man like few others, a genius! But not for being a genius he limited his working hours!

You can visit the exhibition before February 7th and believe this is a lifetime exhibition. We must be grateful that MoMA put so much effort in getting together such as an exceptional work and displayed it throughout 9 galleries.